La pièce Between Holding s’inspire en premier temps du sentiment de sécurité que procure le fait de s’accrocher pour un moment à quelque chose qui nous est précieux. Ne pouvant rester connecté à ce lien de confort de manière permanente, nous devons apprendre le lâcher, à s’en défaire. Qu’est-ce qui se passe dans l’entre-deux ? Pourquoi cette période apporte-t-elle un sentiment de peur? Pour exprimer ce questionnement en mouvement, le Collectif Bulbe s’est inspiré du phénomène de la tornade. Par le fait d’être inconscient, le corps devient détendu, ce qui permet la survie face à la violence de cette situation.

Dans un deuxième temps, Between Holdings s’inspire de la solitude et du sentiment d’incertude qu’elle amène. Au début de l’enfance, nous dépendons entièrement des autres pour apprendre à marcher, manger, se vêtir et plus encore. Nous sommes impuissants et constamment encadrés. Par exemple, un nouveau né va exprimer sans aucun questionnement ses besoins. Paradoxalement, à l’âge adulte, il peut devenir de plus en plus difficile de les communiquer à notre communauté. Durant la vie adulte, notre relation à nos besoins varie. Bulbe Collective met en scène « J’ai besoin » dans cette nouvelle création, son évolution au fil du temps, et le rôle de la communauté dans cette relation.
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Dans The Royal We, Jake Poloz explore la manière dont les ambitions personnelles s’imposent comme le récit central de nos vies. Il souligne que, bien souvent, la poursuite acharnée de ces ambitions finit par façonner la vision du monde d’un individu, devenant ainsi une sorte de « but » ou de raison d’être. Ce but guide les choix, pousse à rejoindre des communautés, et modifie la façon dont chacun se comporte en société pour mieux s’intégrer. Ce qui commence comme un simple objectif devient alors une façon d’être au monde.

Jake Poloz pose ensuite une question essentielle : que se passe-t-il lorsque cette ambition, ce but, est remis en question ou rejeté ? Peut-être que l’individu cesse d’y croire, ou réalise que les sacrifices qu’il impose sont trop lourds à porter. The Royal We interroge alors les fondations de l’identité : à quoi ressemble une vie bâtie autour d’un but précis, et que devient cette identité lorsque ce but s’effondre ou disparaît ?

Échos Migratoires est une exploration du concept de migration, faisant un parallèle entre l’instinct migratoire animal et l’influence sociopolitique et économique sur les déplacements des êtres humains. La danse afro-colombienne, très présente dans la pièce, fait écho aux origines des membres de l’Organisme arstistique Tondoa. Le mouvement des animaux a également inspiré la gestuelle de cette oeuvre. Le collectif traduit ainsi le processus migratoire et celui d’adaptation à un nouveau territoire en mouvement. Cela a mené le collectif à la découverte d’une figure hybride qui se transforme à travers ses choix, ses expériences et son environnement.

Pour le FQD, le collectif propose un extrait de 5 minutes de Échos Migratoires, l’œuvre originale durant 30 minutes et étant actuellement en phase de création, grâce au soutien de Montréal arts interculturels (MAI) et du Festival Quartiers Danses.

De Sève est une œuvre solo chorégraphiée et interprétée par Anna Lamontagne. Dans cette pièce, le mouvement trace l’instantanéité d’un individu dans l’écorce d’une introspection collective. Évoquant la puissance de la présence d’un corps qui se connaît et qui s’écoute, comment unifier son paysage intérieur au territoire qui le tient debout? Comment apprendre à faire confiance à ses instincts? De Sève met de l’avant l’importance de ralentir, d’apprivoiser notre monde interne et externe, et de s’enraciner.

« elles dorment nues mes forêts
attendent le vent
qui les fera tanguer
comme des bêtes ivres
qui marchent vers leurs racines »
(Extrait du recueil de poésie Mes forêts d’Hélène Dorion)

Alone in the Living Room est un solo contemporain acrobatique, chorégraphié et interprété par Nicole Jacobs. Après avoir passé trop de temps au même endroit, nous commençons à perdre le contact avec les éléments de nous-mêmes qui nous permettent de garder les pieds sur terre. Cette oeuvre invite donc le public à plonger dans un monde illusoire qui joue entre les lignes de la réalité et de l’irréalité. Il s’agit d’une histoire non linéaire exprimée par la fluidité de l’acrobatie, contrastée par une physicalité percutante et dynamique. Le public sert de miroir à l’auto-confrontation de l’interprète, l’encourageant à réfléchir à sa propre conception de soi. Il s’agit d’un voyage à travers nos paysages intérieurs en constante évolution et la manière dont nous rencontrons le moi à travers nos expériences quotidiennes.

El kamar bi zaher est une oeuvre chorégraphiée et interprétée par Chanel Cheiban. Cette nouvelle création fait le pont entre les chapitres de sa vie, qui forment ensemble les diverses facettes de sa quête d’enracinement au Liban. « El kamar bi zaher  » , signifiant ‘’La Lune qui fleurie », est la métaphore de son univers intérieur, de son féminin sacré. Elle réveille des expériences émotionnelles, telle catharsis émotionnelle, une libération de revivre l’expérience et d’en sortir grandie. Déconstruisant les stéréotypes et les tabous liés aux différences culturelles, elle explore le sentiment d’impuissance vis-à-vis de leur ampleur, particulièrement touchée par les enjeux des femmes du Moyen-Orient. S’inspirant des différents éléments qui gravitent dans la culture moyen-orientale / arabe, El kamar bi zaher est une déconstruction de ceux-ci pour les relier à des principes fondamentaux. La musique, les objets symboliques, le mysticisme et son histoire deviennent ainsi des médiums pour incarner une réalité qui la dépasse.

WITHIN, vidéodanse immersive créée pour un visionnement avec des lunettes de réalité virtuelle, invite les utilisateurs à entrer dans l’esprit d’une personne qui chorégraphie. Conrtôlant le narratif, le spectacteur voyage ainsi dans des lieux délabrés et des paysages naturels du Pays Basque en Espagne aux côtés d’une danseuse. Cette oeuvre en réalité virtuelle est tellle un métaverse avec des corps humains réels, évoluant par le mouvement dans la nature.

WITHIN est né dans le cadre d’un projet européen appelé INNOCULT permettant le développement de prototypes d’art et de technologie qui ont été présentés à MEET, à Milan. Le projet a également bénéficié du soutien de Dantza Labea, Eszenabide et Espacio Punto de Fuga. Jusqu’à présent, l’œuvre a été présentée à Cinedans, BLV Art, MEET, Labo Xl, Teatro Barakaldo et Dantzan Tzan Festival.

Sous la direction chorégraphique de Karine Ponties, SAME SAME explore les frontières de l’humour subtil, de l’ironie et de l’absurde. Dans un monde où la raison est une belle façade, l’irruption du non-sens nous confronte à notre rapport à la normalité et nous permet de nous ouvrir à des chemins inexplorés. Rien ne définit mieux l’être humain que sa disposition à accomplir des actes absurdes pour obtenir des résultats tout aussi improbables.

Toutefois, l’absurdité et la légereté peuvent être emplies de profondeur et de sincérité. Quelque part entre le burn out et le brown out, deux femmes, exposées l’une à l’autre comme un palindrome dans un miroir déformant, perdent le nord et renouent avec leur animal sauvage.

La performance SAME SAME a reçu une mention spéciale pour son travail remarquable, empreint d’humour et de complexité. Tereza Ondrová , l’une des interprètes de l’oeuvre, a également reçu le Czech Dance Platform 2019 Award pour la pièce SAME SAME.